The Velvet Devil

The Velvet Devil
Regisseur: Larry Bauman
Genre: Drama – Musical
Land und Jahr : Kanada 2006


Der Film schildert die innere Reise, die Velvet Laurent auf der Suche nach der Sehnsucht unternimmt, durch Talent und eigenen Verdienst zu einer großen Sängerin zu werden.

Velvet wuchs bei ihrer Mutter in Métis auf, einer indigenen amerikanischen Gemeinde, in der die Tage ohne größere Komplikationen verlaufen. Velvet hörte ihrer Mutter zu, wenn diese für die Welt der Geister sang. Diese frühe Prägung durch den Gesang wurde noch weiter angefacht, als Velvet zum ersten Mal den Liedern des neuen Radios im Dorf lauschte. In diesem Moment erwachte die Suche, die sie Jahre später beginnen würde.

In der großen Stadt angekommen, lösen sich Velvets Illusionen schnell in Luft auf, als sie merkt, dass ihr Vorhaben nicht ganz so einfach ist. Die Suche nach ihrer Sehnsucht bringt sie nicht nur dazu, ihr Dorf zu verlassen, sondern auch ihre Wurzeln zu verleugnen und sich der Erziehung einer großen Stadt zu beugen, die sich ihr feindlich präsentiert – Ergebnis der Realität des Toronto der 30er Jahre, in dem eine indigene Frau keinen festen Platz in der Gesellschaft hatte.

Dieses gegensätzliche Szenario und der starke Wunsch, ihr Ziel zu erreichen, bewirken, dass sie sich in eine „weiße“ Frau verwandelt, so jede Spur ihrer Herkunft auslöscht und sich in die begehrte Sängerin verwandelt, die sie sein wollte, wobei sie unaufhörlich an ihre Mutter denkt und diese Sehnsucht nach ihr in vielen Briefen zum Ausdruck bringt, welche sich aber ansammeln, ohne je verschickt zu werden.

Der Tod ihrer Mutter trifft sie auf der Bühne – so beginnt der Film; Velvet kehrt dann auf demselben Weg zurück, den sie am Anfang gekommen ist. Der Zug zurück wird so zur Metapher einer inneren Reise voller Rückblenden, die ihrer erneuten Ankunft vorausgehen.

Der Film konzentriert sich hauptsächlich auf die Persönlichkeit Velvets, so dass schließlich alles andere dazu neigt, zweitrangig zu werden. Der Film ist auf Andrea Menard zugeschnitten, eine Verfilmung ihrer Autobiographie. Er wird von ihrer einzigartigen Musik getragen, die zu einem essentiellen und emotionalen Element wird. Die Sorgfalt innerhalb der filmischen Ordnung ist trotzdem weniger ausgeprägt, da der Gesamteindruck von einigen Szenen mit einer düsteren Beleuchtung getrübt wird, in denen außerdem einige Archivaufnahmen auftauchen, die die Glaubwürdigkeit in Bezug auf die Ausarbeitung des Films verringern. In der Erzählung herrscht ein Übermaß gewisser Szenen vor, die nichts anderes tun, als die Geschichte zu verlängern. Man kann erkennen, dass der Film ursprünglich für das Fernsehen gemacht worden ist – wobei diese Tatsache keine größere Rolle für die Qualität des Films spielt.

Andrea Menard schreibt ihre Geschichte. Sie fühlt sich dazu verpflichtet, diese Geschichte nicht in Vergessenheit geraten zu lassen, anders als Velvet die, als sie mit Pelzen behängt in ihr kleines Dorf zurückkehrt, den Verlust nicht wiedererlangen kann, den die Entwurzelung hervorgerufen hat. Die Tränen über den Briefen am Grab ihrer Mutter werden zur Abrechnung mit dem Leben, einem Leben, in dem trotz allem das Erbe der Mutter Erde verwurzelt ist.

Es handelt sich um eine Erzählung, die schließlich nicht nach einer komplexen aristotelischen Handlung strebt, sondern die Musik als treue Vermittlerin vorzieht, da sie in der Lage ist, Gefühle schnell zu übermitteln. So verzichtet der Film darauf, die indigene Welt zu bewerten oder über sie zu debattieren, um sie vollständig und ausführlich zu erklären.Vielleicht liegt die Absicht darin, nur einen Teil dieses intimen Universums zu betrachten, das Interesse auf eine Kosmovision zu lenken, die bisher noch unbeachtet ist.

The Velvet Devil

Dir: Larry Bauman
Genero: Drama – Musical
País y Año: Canadá 2006


“El film contiene el viaje interior que realiza Velvet Laurent hacia la búsqueda de aquel anhelo, convertirse por talento y merito propio en una gran cantante”

Velvet creció escuchando cantar a su madre para el mundo de los espíritus, en Métis, una comunidad nativa americana, en la cual los días se resuelven sin mayor complicación, su destino ya estaba marcado por el canto, pero este fue avivado cuando escucho por primera vez como salían aquellas canciones de la primera radio llegada al pueblo, fue el despertar de la búsqueda que emprendería años después.

Para Velvet las ilusiones una vez en la gran ciudad se ven disipadas al ver que su propósito no es del todo sencillo, la búsqueda de su afán no solo la hace dejar su pueblo atrás, sino que ya en el Toronto de los años 30 la mujer nativa carecía de lugar en la sociedad; resultado de aquella realidad es que se impone dejar atrás sus raíces, recibiendo la educación de una ciudad grande, que se presente hostil.

Aquel escenario adverso y la fuerza por conseguir su deseo la hace convertirse en una mujer blanca, borrando así el rastro de sus orígenes, convirtiéndose en la ansiada cantante que quiso ser, anhelando siempre el recuerdo de su madre através de cartas que continuamente van quedando sin enviar.

La muerte de su madre la coge en el escenario, es así como empieza la película, llevándola de regreso por el mismo camino por donde partió, el tren se convierte así en la metáfora de un viaje interior lleno de flashbacks que anteceden su llegada.

La naturaleza de la película tiene como eje central la personalidad de Velvet y finalmente todo lo demás tiende a volverse segundario , y es que el film esta hecho a la medida de la Menard ,un ajuste de cuentas con su autobiografía y lanzado por su sola música, que se vuelve un componente esencial y emocional ,sin embargo el cuidado dentro del orden cinematografía es menor, ya que el logro total se ve disminuido por algunas escenas con una iluminación hosca y en las cuales también se encuentran ciertas tomas de archivo que disminuyen la credibilidad dentro de su elaboración , hay un exceso con ciertos episodios en la historia que no hacen mas que dilatar el fondo de la misma es reconocible que la concepción del producto estuvo generado para la televisión, pero aquello no es necesariamente un factor preponderante para el cuidado de la cinta.

Andrea Menard escribe su historia sintiendo la obligación de que su relato no quede en el olvido, como cuando Velvet regresa a su comunidad ataviada de pieles sin ya poder recuperar la perdida que produce el desarraigo, el llanto junto a las cartas se vuelve el ajuste de cuentas con la vida, vida en la cual se arraiga también la herencia en la madre tierra.

Un relato que finalmente no ambiciona un complicado nudo aristotélico sino que antepone la música como fiel vehiculo para llevar prontamente las emociones, prescindiendo así de una exposición que abra la puesta en valor o el debate del mundo nativo para su pleno entendimiento, talvez la intención este centrada en dejar solo avizorar una parte de aquel intimo universo, de sentar el interés en una cosmovisión que aun yace postergada.

American Fork

Dir: Chris Bowman
País: Estados Unidos
Ano: 2007


American Fork narra la historia de Tracy, un peculiar vendedor de un pequeño market del oeste de Norteamérica, un personaje ingenuo de más de 180 kilos quien encuentra en la vida las visicitudes de la amistad.

Tracy es un buen empleado y también un buen amigo, quien a decidido seguir un sueño, actuar, en ese camino conoce a hope William Baldwin quien será su profesor de actuación, luego su amigo y mas tarde el novio de su hermana, desencantado de su actitud el ira manifestándose en un hogar en donde al parecer cada individuo conlleva ciertas implicancias o ansiedades que son manifestadas a través de la ingesta de comida entre otras particularidades en el film.

Tracy es elementalmente el arquetipo del hombre bueno y humano que nos recuerda las cosas importantes de la vida, el permitirse soñar, lamentablemente producto de sus valores, sus nuevas y jóvenes amistades optan por sacar provecho, involucrándolo en problemas pero contradictoriamente haciéndolo mas fuerte ante la vida.

American fork es una película que contempla algunos márgenes del sistema americano, la idiosincracia de sus personajes, que no son los de las grandes ciudades, pero al igual que aquellos están mimetizados con patrones de conducta propios de su sociedad.

Una comedia divertida con lecturas trágicas pero no desesperanzadoras, de gran atención, con una banda sonora grácil y conmovedora que nos lleva por los caminos que se recorren antes de llegar al verdadero destino, en donde se encuentran las genuinas amistades y el optimismo de quien sueña, a diferencia de la fábrica de sueños; y en donde uno hasta se da el permiso de atreverse a escribir unos cuantos versos.

Inland Empire

Dir: David Lynch.
USA, Polonia y Francia. Año: 2006.
178 min. Drama-suspenso

Cuando uno se encuentra con un film de David Linch es sinónimo de salud cinematográfica, aunque claro, se crea todo lo contrario por lo bizarro del tratamiento que denotan las imágenes.

En Inland Empire prosigue aquella crítica mordaz hacia Hollywood "La fábrica de sueños", que en esta oportunidad nos muestra un recorrido subyugante de la actriz Laura Dern que lleva a cabo un papel del guión de una película que nunca se termino de rodar.

Al principio los diálogos casi inconexos se vuelven presagio de lo que vendrá ,una Nikki que camina de lo real a lo ficticio en busca de respuestas o de mas preguntas que va encontrando en el camino ; al parecer a simple vista podría tomarse como una enajenación ,sin embargo la película pasa por el contacto de la emociones mas que por su sola manera del relato continuo que enmarca con destreza tomas surrealistas y expresionistas de todo tipo ,como la del fundido de la vitrola o la habitación teatralizada de estos hombres-roedores (provenientes de Rabbit, un trabajo anterior para Internet)

Nikki prosigue su camino entre la Polonia fría que le exige el guión y el Hollywood marginal que siempre explota Linch; Mostrar una actriz muriendo (de indiferencia) entre migrantes afincados en las calles, con una banda sonora dramática, bailes irónicos de prostitutas y una asesina que quizás a fuerza de salvarla de su condición enajenada decide darle muerte con un desarmador que bien recogió y llevo con ella.

¿Cuándo es que regresa es busca del amor? ¿Cuándo es que lo dejo? confusiones a parte, verse a si misma en pantalla grande !Edward Hooper por todos lados! , prosigue el recorrido como en un laberinto, encontrando códigos en las puertas y paredes, llegando a una reconciliación transmitida por televisión, talvez la ironía de nuevo, del vender emociones reales e irreales, la búsqueda constante del decir sin decir, del hurgar dentro del universo propio y también de uno paralelo, la condición humana…

Una búsqueda que contra todo pronostico se resuelve en el inconciente, y es que a de ser seguro que ahí, todo es absolutamente claro.

El Laberinto del Fauno

Dir: Guillermo del Toro
España-México 2006
Drama-Fantasía 112 min.

“Es el dolor el que aveces se encarga de darle el verdadero sentido a las cosas”

En la guerra civil de Franco, la misma sangre a dos tiempos, cuesta la historia, el recordar de una España por división en su lecho, que si es su reino el de una princesa, el laberinto de uno también llegara a ser el laberinto de todos.

Si es que la fantasía nos tocara con suerte por bien servido andaríamos, que es la realidad más fuerte y despiadada, y es ahí donde habitan los verdaderos monstruos.

Que es Ofelia por marca tuya, que de luna en el hombro ostentas, que llegaste a tierras despiadadas por hombres, que si es regresar a tu reino es casi seguro que no es de este mundo.

Cuando Ofelia llego un bicho por hada se hizo su amigo, mostrándole el camino de regreso, de donde por princesa siempre estuvo. No es un relato de hadas, pero si un cuento fantástico que plantea pruebas mas allá de conseguir una llave que posee un gran sapo y que con ella se puede sustraer una espada de un dueño que no es de este mundo, y así aunque los faunos no sean de confiar seguir en la senda para darle final al niño, pues su acto final le abrirá las puertas al retorno.

El laberinto del fauno es de esas analogías amplias acerca de los verdaderos monstruos, los que en la realidad viven entre nosotros, los siniestros.
Todo esto visto desde la mirada de una niña muy valiente que cumple hasta el final los designios de su sangre.

Es sin duda una de esas películas que contiene una belleza siniestra que nos acompaña con una atmósfera de ensueño y una realidad mórbida que se yergue en los colores como mandrágora para decirnos que fuimos niños y que a salvo estamos si andamos en el continuo imaginar, pues el hombre se empeña en destruirse en el laberinto de si mismo. Y es así que Ofelia no muere, pues conserva un bien perdido que aun late entre los mortales; Lo sabrá ella que aun vive en nuestro mundo aunque sin duda pertenezca a otro reino.

Rosetta

Dir. Luc y Jean Pierre Dardenne

País Bélgica-Francia

1995 -1h.38 min.

Cuando las primeras escenas aparecen ante nuestros ojos pareciera por unos instantes que se tratara de una emergencia en un hospital, sin embargo atraídos por esa desesperación de la cual aun poco sabemos nos vinculamos instantáneamente con el personaje, aquella de apariencia dura y rasgos psicológicos punzantes, personaje complejo que atormente por momentos nuestra paz desde el ojo de nuestra vida.

La película esta hecha por su solo personaje, uno constante que no tiene reparo ,ni vacilaciones ,que persevera aunque el mundo se le venga encima, que lucha por salir de aquella vida que al parecer no tiene minutos libres ,ni descansos.

La cámara por momentos persigue a Rosetta insistentemente y es que al parecer trata no solo mostrar aquella actividad de la cual hace su vida ,sino mas bien trata de mostrarnos ,de entrar en aquella sensible adolescente que se encuentra luchando por la vida.

Con una madre enferma que cambia sexo por alcohol, un padre inexistente, un lugar en el cual vive y no es suficiente referencia para sustentar un trabajo, una vida dura y carente, aunque en un momento la veamos interactuar en una mesa mientras termina con una cerveza raudamente.

De un estilo propiamente del documental o docuficcion asoma una mirada desafortunada en la cual cada recorrido que hace lleva consigo, aunque nos asuste ir, esa necesidad de encontrar un trabaja que haga de aquella vida un punto de fuga, de partida hacia un mejor estado de las cosas; las emociones contrastan con un equilibrio en donde un trabajo (el que sea) es la pieza fundamental para dormir bien esa noche.

Algunos verán a Rosetta como un animal desaforado y sediento, de cobrarle a la vida lo que no le dio, algunos sentirán que no le podría quitar el trabajo a alguien que amablemente le dio la mano; Por momentos inexpresiva, con la mirada puesta en salir o escapar, suelta ciertas verdades para conseguir de nuevo un trabajo, es aquí donde se pone de manifiesto la desesperación, aquella en donde uno piensa por largos minutos dejar morir a alguien con una sola idea en mente.

Rosetta y ya colmado de su nombre recrea la dura vida que procrea desesperación ,a tal punto que la insatisfacción por sus actos y el colmo del abandono por parte de su madre alcohólica hagan que su decisión final sea suicidarse ,aunque al parecer ella no pueda ni siquiera morir dignamente ;y es que pareciera que no hubiera emoción alguna y si un fuerte propósito por conseguir sus fines aun para morir ,al parecer desprovista de sensaciones o reparo alguno ,tratando de concluir su existencia cae al piso rompiendo en llanto ,sigue siendo Rosetta aunque alguien lo dude ,pues como dice la cita : La vida es una sombra que camina ,una fábula contada por un idiota llena de sonido y furia.

Pauline et Paulette

Dir. Lieven Debrauwer
Bélgica-Holanda-Francia
2001- 1h 18mn.


La vida nos lleva al encuentro de infinidad de sensaciones, pero estas solo vendrán con el tiempo, un tiempo vivido y memorable capaz de cambiar las vidas y obtener de aquellas personas tan especiales aquellas sensaciones que vienen y se retiran como la brisa misma de la tarde.

Pauline y Paulette es una película sensorial que sustenta y nos lleva por los caminos de la tolerancia, la autosuficiencia, el recuerdo, la vía de las emociones la soledad, esa compleja, la de las personas especiales, la de todos.

¿Es que acaso que cuando uno se siente más resuelto a veces también se siente mas solo? Quizás sea una buen cuestionamiento para el psicoanálisis; lo importante es que uno se pueda dar cuenta que aun no se a acabado el tiempo; Una hora y dieciocho minutos es lo que le toma a Lieven Debrauwer para obsequiarnos un film con una sincera reflexión ante la vida.

Y es asi que en la toma de Pauline con las flores uno ve asombrado como la música de Strauss puede acompañar cada movimiento mientras ella riega los girasoles de una manera tan alegre y natural que uno no puede dejar de sonreír con el mismo brillo de las flores. Strauss acompañara a Pauline cuantas veces uno lo escuche.

La renuncia se vuelve un arma de doble filo, incontrastable como la verdad, es aquel solo un aplauso desde los asientos del publico o la sola mirada de su hermana, es el miedo a la vergüenza, es el llanto del desvalido ¿son las rosas una forma de gratitud? Y no acompañan a esta nada más.

Cuando es el turno de Cecile, la exploración es encriptada pues asi como el lenguaje, su novio no entiende a Pauline, mas aun ,ella no lo comprende, aunque claro esta siempre ella sabe que hacer.

Desde la clínica de reposo Pauline aislada encuentra una grata compañía en la cual asienta su gusto por las flores y en tanto es compartido; afuera en la libertad de Bruselas con un pequeño lugar frente al mar Paulette sin tener ya otras preocupaciones como la boutique para señoras o sus ensayos para la opereta se siente sola y vemos en sus ojos, los mismos ojos que en Pauline esa mirada que extraña y que no vive mas, pero dije antes acerca del tiempo, el final es una suspicacia, pues la libertad de las dos es estar juntas.